的规则运用在调性环境中，你总能找到新的写法，反之亦然。
我的做法是，用六个音，而不是十二个，仍然遵照十二音体系里的音和音同等价值原则；其中能看到许多其他方法的影子，而且各不相同，为了讲得更清楚些，我举几个比较容易理解的例子：如果把音列中的每一个音都拉长，乐曲的组织结构会更加静态，就算再加以模块化处理也一样；把这些音聚拢，则会得到相反的活泼生动效果，甚至变成了切分节奏。如果选择种类不同的乐器演奏同一段内容，赋予音符个性，结果更是不一样，音色上的细微变化更加丰富，这跟配器是一个道理。
作曲方法可以作为一块基石，上面再叠上另一块，或者直接成为作品的“中心”，“声音雕塑”的“中心”。
就像画画一样，绘画手法本身也能成为“中心”，或者变成中心周围的背景，变成一张网、一方流体，让“海纳百川”成为可能，也许还能容下一个又一个主题。
有一次我写了一首曲子，想要用音乐呈现出表面静止、内在活泼的稳固状态，就是写湖与湖水的那首《复活节主日洒圣水歌，在贝纳科》。这首曲子堪称绝佳典范，除了我刚刚说到的这些，还体现了几个更广泛的概念：动态固定、模块化、有乐谱的即兴演奏。
《复活节主日洒圣水歌，在贝纳科》
● “我见到了水。这里是加尔达湖。”这是标题的含义：贝纳科其实是加尔达湖的古称。作曲委托来自特伦蒂诺—上阿迪杰大区。原本的设想是在音乐厅录制好，到加尔达湖播放，通过湖边沙滩上准备好的扬声器循环一整夜。
这一提议很让我心动，于是我回馈给委托方一首实验之作，让现在的我来评判，我仍旧认为实验相当成功，而且我们刚刚讲到的问题在这一曲中都有所涉及。
我很快想好要用五组四重奏乐队和一位女高音。乐队一共有二十七种演奏组合：第一小节，一组接一组轮流演奏，然后两组为一个组合（1｜2，1｜3，1｜4，1｜5，2｜3，2｜4，2｜5，3｜4，3｜5，4｜5），接下来三组一起（1｜2｜3，1｜2｜4，1｜2｜5，1｜3｜4，1｜3｜5，2｜3｜4，2｜4｜5，3｜4｜5），四组一起（1｜2｜3｜4，1｜3｜4｜5，2｜3｜4｜5），最后全部五组一起演奏。一种“渐进结构”。
那么五组四重奏乐队分别由什么乐器构成呢？
一组是纯弦乐乐队，一组打击乐器，一组键盘乐器，一组铜管乐器，最后一组都是木管乐器。
○ 按照乐器种类来分……
● 是的。先确定基础音阶，由此衍生出所有素材，一起组成乐曲，《致迪诺》也是这样的创作步骤，但是描写加尔达湖的这一首里不止有四个音，而是整整六个（＋2）：升Fa、升Sol、La、Si、升Do、Mi。顺带一提，在这种情况下，“动态固定”的理念和“传统”的模块化概念产生了重叠，因为这六个音同时从属于好几个音阶，而照理来说不应该出现这种情况。其实我脑子里想的是多利亚调式11，不过为了避免E大调的感觉太强烈，我选择从升Do而不是升Fa开始。
○ 这样就更加模棱两可了，六个音既可以说是E大调或升c小调，又可以算作A大调或升f小调12。Re是升音还是还原音（是导音还是四级音），我们无从得知……只要升Re或还原Re不出现，我们的音阶就不会揭晓自己的真实身份。
● 我正是在模糊性上做文章，乐队演奏部分从头到尾都不会出现你说到的两个音，直到最后，女高音出场，随着一段平静的旋律，人声唱出了一个Re，紧接着一个升Re，两个音来来回回没有结果。
○ 五组四重奏乐队之间如何互动？
● 首先，我以六个音组成的音阶为基础，为每一件乐器各写一个声部。以第一组乐队为例，某一件乐器和其他三件乐器通过二声部、三声部、四声部对位交织在一起。然后用同样的方法写第二组，第三组……以此类推。
每一个声部、每一组乐队都是单独的个体，但是基础都是同一个音列，所以不同声部以及不同乐队之间也能自由结合，突出由那六个音组成的和声。
○ 乐队进入音乐的节点由你亲自设定吗，还是说乐手或指挥会得到一套随机标准？
● 每一组四重奏乐队都有不止一套编排方案。方案没有规定某个声部要用何种方式在哪一瞬间起音，但是固定了一种模式，我记得每个声部拥有三种可能方案，由指挥示意乐手何时起音，不论结果如何都在特定规则的约束之下。
通过对提前定好的结构进行自由组合，五组乐队逐步完成对曲式的搭建，实现了经过构造的即兴演奏。
我会单独留意每一位乐手的声部，但是在演奏的时候，对于一个声部来说，背景音乐总是有新的变化，单个声部时不时被整体背景消化：整首作品思想高度统一。
类型一致又各有变化的素材组成了一首相当长的曲子，在和弦方面，形成了既平静又活泼的稳定状态，和那片湖水稍微有些接近了。在大众
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